はじめに

マスタリングは音楽制作の黒魔術と呼ばれ、楽曲のマスタリングを熟知している人を除けば、アルバム制作に携わるすべての人が、現代の音の魔術師たちの仕事に畏敬の念を抱かずにはいられない。

しかし、マスタリングプロセスは、楽曲のサウンドに具体的な影響を与えるものです。 レコーディングエンジニアには、他のエンジニアとは異なるスキルやテイストがあります。 では、オーディオ制作における重要なステップが、いまだに謎めいているのはなぜでしょうか。

この記事では、マスタリングとは何か、そして自分の音楽をゼロからマスタリングするために必要な手順を明らかにします。 人生において何でもそうであるように、マスタリングプロセスは、多くの練習と試聴と忍耐を必要とする技術です。 しかし、この記事が終わる頃には、あなたを待っている道が明確に理解できるようになります。

オーディオマスタリングプロセスとは？

マスタリングは、CD、レコード、Spotifyなど、どのようなデバイスで再生しても、トラック全体が良い音で聞こえるようにするポストプロダクションの最終段階です。 マスターコピー」という用語は、異なるオーディオフォーマットに複製・再生される最終コピーを指します。

楽曲の公開・制作過程は、レコーディングセッション、ミキシング、マスタリングの3つに分けられる。

• レコーディング

  

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  レコーディングは、アーティストが自分の楽曲を録音する作業です。 各楽器はそれぞれのトラックに別々に録音されることが多く、その後、DAW（Digital Audio Workstation）と呼ばれる録音・ミキシング・編集ができるソフトウェアで楽曲がまとめられることになります。

• ミキシング

  

  レコーディングが終わり、アーティストが納得したところで、ミックスエンジニアがレコーディングセッションで録音した別々のオーディオトラックを使用し、音量を下げたり上げたり、エフェクトをかけたり、不要なノイズを除去したりして、まとまりのあるバランスの良いステレオトラックを作成します。 レコーディングセッション後の音は、生音になります。良いミキシングでは、すべての楽器と周波数にダイナミックバランスが加わります。

• マスタリング

  

  マスタリングエンジニアの役割は、楽曲やアルバム全体を、基準となるジャンルの基準に合わせてまとまりのあるものにすることです。 また、音量やトーンバランスもマスタリングの段階で強化されます。

  良いマスタリングは、レコーディング時に思い描いたサウンドを損なうことなく、楽曲を劇的に改善します。 一方、粗悪なオーディオマスタリングは、低域をカットし、ラウドネスを押し出すことで楽曲を台無しにします。耐えられないレベル。

エンジニアは、アーティストの要望と音楽業界のスタンダードを考慮し、双方が満足できるものを提供しなければなりません。 そのために、ミュージシャンが提供するガイドラインに沿って、マスターサウンドをリスナーの好みに合うようにするのです。

なぜ楽曲のマスタリングが重要なのか？

マスタリングは、楽曲をネットで公開したり、物理的にリリースする際に重要な作業です。 プロのアーティストが、安いイヤホンからハイエンドなハイファイシステムまで、あらゆる再生システムで楽曲を完璧に鳴らすための方法なのです。

また、マスタリングを行わないと、レコーディングの違いやミキシング時の変更により、アルバム全体の楽曲がバラバラな音になることがあります。 マスタリングは、クリエイティブな作品を最高の状態でリリースするための最後の仕上げであり、プロフェッショナルな結果を保証するものです。

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ミキシングとマスタリングの違い

ミキシングとは、レコーディングで録音された複数のオーディオトラックを、ステレオミックスとしてバランスよく、アーティストのイメージ通りに聞こえるように調整することです。 ミキサーの仕事は、個々の楽器の音を調整し、曲全体のクオリティとインパクトを最高のものにすることです。

マスタリングはミキシングが終わると行われます。 マスタリングエンジニアはステレオ出力（すべての楽器が入った1つのトラック）で作業できます。 この時点で、曲に対する変更はより微妙で、個々の楽器に手を加えることなくオーディオ全体の強化や最適化に主に関連します。

マスタリング・セッション - Before You Start

マスタリングには準備が欠かせません。 ヘッドホンをつけて曲を大きくし始める前に、特に初心者の方には必要な手順がいくつかあります。

残念ながら、マスタリングは曲の音量を限界まで上げてからネットに公開することだと思われていますが、曲の音量はマスタリングによってもたらされる多くの改善のひとつにすぎません。 マスタリングされたトラックは、より一貫した、一貫した、調和のとれた音になります。

エンジニアはアルバム制作に入る前に、制作する曲を聴きながら、アーティストの目指す雰囲気や空気感を確認します。 このとき、アーティストとエンジニアが曲の方向性を明確にすることが重要なポイントです。

プロが作ったオーディオマスタリングで、アーティストの要求に従わないものは、目的を果たせなかったマスターであり、ほとんどの場合、ゼロからやり直す必要があります。

面倒くさいと思われるかもしれませんが、マスタリング前のこれらのステップは、あなたの曲を次のレベルに引き上げるための基本だと思います。 これらのステップを徹底すれば、後悔することはないでしょう。

適切な環境と機器を選ぶ

なぜかというと、マスタリングの際には、完全な静寂と集中力が必要です。 そのため、ヘッドホンをしていても、騒がしい場所で作業をしていると、外からの音が気になり、判断に影響することがあります。

機材については、ヘッドホンだけでも自作曲のマスタリングは可能ですが、ヘッドホンとスピーカーを交互に使うと最適な結果が得られるのでおすすめです。 先日スタジオモニターについての記事を書きましたが、良質なスピーカーはかなり安価なものが多いので、本気でやるならペアで揃えることをおすすめします。

先ほども言いましたが、マスタリングとは、どのように再生しても完璧な音にすることです。 マスターをヘッドホンやスピーカーで聴けば、公開したときに他の人にどう聞こえるか、より明確に理解することができるのです。

リファレンストラック

音楽ジャンルによっては、自分のイメージするサウンドに近い曲がすでに発表されているはずです。 それらを広く聴くことで、自分のミックスが自分の好きな曲と同じようなサウンドになるために必要な手順を確認することができます。

マスタリングとは、曲を大きくすることだと思っていたら、それは間違いでした。 プロのマスタリングエンジニアは、レコーディングセッションが終わった後、このレファレンストラックを、あなたが目指す音の指標とするために、あなたにリファレンストラックを要求します。

ですから、自分でマスタリングするにしても、エンジニアに依頼するにしても、どの曲が本当に自分の音楽を表現しているのか、時間をかけて判断してください。

例えば、インストゥルメンタルのロックトリオで、管楽器や弦楽四重奏の曲を参考曲にしても、期待するような結果は得られないでしょう。

ミックスのピークをチェックする

もし、ミックスエンジニアが自分のやっていることを理解していれば、-3dBから-6dBの間のオーディオピークを持つステレオファイルのミックスダウンを受け取ることができます。

オーディオのピークをどのように確認するのですか？ ほとんどのDAWでは、曲のラウドネスをモニターすることができるので、曲の一番大きな部分を聴いて、その大きさを確認するだけです。 それが-3dBから-6dBの間であれば、歪みを発生させずに処理するためのヘッドルームは十分にあります。

ミックスが大きすぎてヘッドルームが足りない場合は、別のミックスを頼むか、処理に十分なヘッドルームが確保できるまでトラックのゲインを下げるかのどちらかになります。 ミキシングエンジニアはレコーディングセッションの複数のオーディオトラックにアクセスできるので、dBを下げる作業をより徹底的に行うことができるため、前者のオプションを選ぶとよいかと思います。

LUFS（Loudness Units Full Scale：ラウドネス単位フルスケール）

また、LUFS（Loudness Units Full Scale）という言葉も知っておくとよいでしょう。 これは、ほとんどのストリーミング・プラットフォームが楽曲のラウドネスを評価する方法で、厳密には音量とは関係なく、人間の耳がラウドネスをどう「知覚」しているかが重要です。

少し複雑ですが、より実用的なヒントとして、YouTubeやSpotifyにアップロードされているコンテンツのオーディオレベルは-14LUFSで、これはCDに収録されている音楽よりも8デシベル近く小さいとお考えください。

ここで最大の問題が発生します！例えばSpotifyに楽曲をアップロードすると、プラットフォームは自動的に楽曲のLUFSを下げ、ストリーミングサービスに存在する音楽の基準に到達させます。 このプロセスは自動的に行われるため、あなたの楽曲はLUFSの低下によって劇的に影響を受けることになります（特に、非常に大きな音量の楽曲の場合）。

この範囲であれば、楽曲のストリーミング再生が可能です。 また、LUFSが低ければ低いほど、よりダイナミックなサウンドが得られ、楽曲に深みを与えることができます。

一般的な品質管理

曲全体の音量バランスはどうか、デジタルクリップや歪みはないか、などなど。 ミキシングした曲が完璧であることを確認してから、最後のステップに進みましょう。

クリエイティブな観点で分析するのではなく、ミキサーはミュージシャンと一緒にこの段階を踏んでいるので、受け取った曲はミュージシャンの思い通りの音になっているはずです。

エンジニアの役割は、新鮮な耳を提供し、製品を細部まで分析し、ミュージシャンのビジョンを完全に表現するために最終的な調整を行うことである。

このとき、一歩引いて、もう一度リファレンストラックを聴いてみてください。 マスタリングを経ている分、音は大きくなりますが、自分の曲とリファレンストラックの違いを想像することができるはずです。

リファレンストラックを聴くと、低域が強調されている、包み込まれるような音がする、などといった印象を受けると思います。 その印象を、改善すべきと思う点ごとに書き出してみてください。

準備が整ったら、いよいよ曲のマスタリングを開始します。

マスタリング・セッション - あなたの歌をマスターする方法

マスタリングエンジニアの中には、ラウドネスの調整から始める人もいれば、ダイナミックレンジをまず整えてからラウドネスにする人もいます。 すべては個人の好みによりますが、個人的にはEQから始めるのが好きですね。

この記事では、マスタリングの最も重要な側面に焦点を当て、追加の手順は別の機会に譲り、皆さんが気負わずに今日からマスタリングを始めるためのツールを提供することを目的としたいと思います。

例えば、静かな部分と大きな部分が交互に現れる豊かでダイナミックな音楽であれば、ラウドネスを優先するのではなく、完璧なバランスのサウンドスケープを作り上げた後に検討することになります。 一方、スクリレックスであれば、自分のサウンドスケープに最適なラウドネスを求めるでしょう。をできるだけ大きく歌えるようにする。

EQ（イコライザー）

楽曲のイコライジングとは、周波数スペクトルの特定の周波数帯域を除去または増強することです。 これにより、マスターは、どの周波数も他の周波数に重なることなく、バランスよく比例したサウンドを得ることができます。

すべての周波数帯域のバランスを整え、どの再生機器でもいい音で聴けるようにすることから始めるのが、音楽をマスターするときの第一歩だと思います。

人間の耳は20Hz～20kHzの音を聞き取ることができます。 EQは、曲の全体的なサウンドが調和し、強調されすぎたり、他の周波数が影を落としていることがないようにします。

EQは、音の周波数が重ならないように操作するもので、2つの楽器が同じ音を演奏して重なり合う場合（マスキングと呼ばれる効果）には欠かせないツールです。

イコライジングには、特定の周波数帯域を強調する「加法的イコライジング」と、邪魔な周波数帯域を減らして、その分他の周波数帯域を強調する「減法的イコライジング」という2つのアプローチがあります。

ステレオミックスダウンのクオリティが高ければ、EQをかけずともプロフェッショナルなサウンドに仕上がりますが、そうでない場合は、イコライザーをかける必要があります。

EQをかける前とかけた後のマスターを聴き比べてみてください。 音の濁りが少なくなっていますか？ 楽器のまとまりが良くなっていますか？ そうであれば、正解だと思います！

コンプレッション

このとき、マスタリングコンプレッションは、大音量と小音量の差を小さくします。

コンプレッションは、音量を一定にするための素晴らしい方法ですが、慎重に使用する必要があります。 コンプレッションはトラック全体に影響するため、1または2dBのゲインリダクションで十分で、曲全体で一貫して音量を上げることができます。

例えば、柔らかいボーカルとスネアドラムの音量差を想像してみてください。 現実にはドラムの音がボーカルを完全に覆ってしまいますが、圧縮をかけると2つの音が重ならず、影にならず、はっきりと聴こえるようになります。

ラウドネス

マスタリングの最終段階として、リミッターを追加します。 リミッターは、オーディオ周波数がある閾値を超えるのを防ぎ、ピーキングやハードクリッピングの歪みを防ぎます。 コンプレッサーよりもさらにダイナミックレンジを縮小し、業界の標準要件に必要なラウドネスを楽曲に与えることができます。

数年前に "ラウドネス戦争 "というのがあって、デジタルマスタリング技術の登場で、楽曲の音量がどんどん大きくなっていったんですね。

音楽の実際の音量はそれほど重要ではなく、少なくとも「知覚される」音量ほど重要ではありません。 知覚される音量とは、厳密にはデシベルに関係なく、人間の耳が特定の周波数をどのように知覚するかに関係します。

しかし、ラウドネスには業界標準がありますから、あなたの曲がチャートのトップになることを望むなら、最後の必要なステップを踏む必要があります。

リミッターを-0.3〜-0.8dBの間で設定すると、歪みが発生しません。 リミッターを0.0dBに設定すれば、スピーカーでクリップせずに大きな音で聴けるのでは？ と思うかもしれませんが、それはお勧めしません。自分のスピーカーやリスナーのスピーカーで、曲の一部がクリップする可能性は非常に高いからです。

エクストラ・ステップス

楽曲を完成させるために必要なものではありませんが、楽曲に彩りを与え、個性を演出するための追加ステップを紹介します。

• ステレオワイドニング

  ステレオワイドニングは、音を広げる効果があるので、ライブ感があり、美しく包み込まれるような効果があります。 特にクラシック楽器の音楽ジャンルでは、いい音で聴くことができます。

  ステレオ幅の調整で問題になるのは、リスナーがモノラルで聴いたときです。 そうすると、音楽が平坦で、何かが欠けたような空虚な音になります。

  ステレオワイドニングは、曲のダイナミクスを向上させると思われる場合にのみ、軽く使用することをお勧めします。

• 飽和状態

  テープエミュレーションやハーモニックディストーションなど、マスターに加えることのできるサチュレーションの種類はさまざまです。 それらの目的は、曲に深みや色を加えることです。

  サチュレーションは、音楽がデジタルになりすぎている部分を滑らかにする効果があります。 全体として、より自然な雰囲気のサウンドに仕上げることができます。

  ただし、サチュレーションは、歪みを加えることによって、一部の周波数とダイナミックバランスを損なうことになります。 繰り返しになりますが、必要なときにだけ慎重に使用すれば、マスターに価値を与えることができます。 サチュレーションについてよくわからない場合は、使用しないでください。

マスタリングセッション - オーディオマスターのクオリティを評価する

すべてが正しく行われたなら、あなたの手には完全にマスターされた楽曲がある。 おめでとう！

そのためには、曲を何度も聴いて、音量レベルやダイナミクスを分析し、それぞれのラウドネスのバランスをとってミックスと比較する必要があります。

モニターのラウドネスとダイナミクス

曲を聴きながら、曲の展開に注目してください。 音量の急激な変化はなく、最も高いピークでも歪んで聞こえることはないはずです。 そうでない場合は、歪みが消えるまでリミッターを下げる必要があります。 それでも歪みがある場合は、最終ミックスをチェックして、歪みが受け取ったファイルにすでに存在していたかどうかを確認します。

コンプレッサーやリミッターは、音域を強調し、音楽を大きくしてくれますが、その分、表現したい感情を奪ってしまうことがあります。 だからこそ、マスターをよく聴いて、自分のイメージに合った曲を作ることが大切です。

Mixと比較

DAWやマスタリングソフトウェアでは、ミックスとマスターの音量を合わせることができます。 ミックスの音量が小さいことに影響されることなく、音質を比較することができる素晴らしいツールなのです。

ボリュームを合わせずにミックスとマスターを比較すると、必ずマスターの方が音が良いという印象を受けます。 これは、ボリュームが大きい方が、よりニュアンスを感じることができ、深みが出るからです。

そのため、同じ音量設定にすることで、結果を冷静に分析し、必要な調整を行うことができます。

オーディオをエクスポートする

このように苦労してマスターを書き出すと、一番簡単なように感じるかもしれません。 しかし実際には、オーディオファイルをバウンス/エクスポートする際に、いくつかのことに注意する必要があります。

まず、高音質でロスレスなフォーマットで書き出すこと。 Wav、Aiff、Cafのファイルが最適です。

次に、サンプルレートとビット深度／解像度がオリジナルミックスと同じであることを確認する必要があります。16ビット、サンプルレート44.1kHzが標準的なフォーマットとなります。

ワークステーションやソフトウェアに関係なく、必要に応じてこれらの設定を調整することができます。 サンプルレート変換とディザリングは、異なる解像度でトラックをエクスポートする場合、ビット深度を24ビットから16ビットに下げる場合にのみ必要です。 この追加ステップにより、マスタリングしたトラックに不要な歪みが発生するのを防ぐことができます。

DAWがノーマライズするかどうか聞いてきたら、ノーマライズしないでください。 ノーマライズすると曲が大きくなりますが、すでにマスタリングが終わっているので、その必要はありません。

自動マスタリングエンジニアサービス

最後に、自動マスタリング・プログラムは、あなたの代わりにほとんどの作業を行い、より大きな音で、より良いトラックを提供します。

これらのソフトウェアについては、その品質がプロのマスタリングエンジニアが提供するものと比較できるのかどうかという議論があります。

LANDRとCloudblounceの2つの自動マスタリングサービスを利用してきました。 これらのサービスの良いところは、マスタリングエンジニアの料金に比べて安価であること、そして非常に速いことです（1曲をマスタリングするのに2、3分かかります）。

欠点は、プロのエンジニアの仕事とは思えないクオリティになってしまったことです。

低音域を強調し、曲を大きくするAIが素晴らしい仕事をしているのは間違いないのですが、圧縮よりもダイナミズムが必要な部分を選択できる人間のセンスが欠けているのだと思います。

しかし、プロとしてアルバムをリリースするのであれば、マスタリングエンジニアに依頼することになるでしょう。

最終的な感想

このように、マスタリングは魔法ではなく、自分や他人が作った曲をマスタリングすることで、時間をかけて上達していくスキルなのです。

この記事は、楽曲をマスタリングするためのステップバイステップガイドになります。 マスタリングは、どんなフォーマットやプラットフォームでも、あなたの楽曲をプロフェッショナルなサウンドにします。

マスタリングのプロに依頼すると、新鮮な気持ちで楽曲を聴いてもらえるという利点があります。 マスタリングには、そういう割り切りが必要なことも多いのです。

自分の曲の音は自分が一番よく知っていると思うかもしれませんが、実際には、プロは私たちが軽視しがちなものを見たり聞いたりしています。 だからこそ、公開する前に必ず他の人に曲を聴いてもらうのがいいのです。

マスタリングエンジニアは、感情に左右されることなく、完璧なバランスと音量でトラックを仕上げるための道を示してくれるのです。

マスタリング・エンジニアを雇う余裕がないのなら、自動マスタリング・サービスを試してみることをお勧めします。 その結果は、あなたの曲をどこでも公開できるほど良好です。 また、破産せずに音楽を頻繁にリリースする機会を与えてくれるでしょう。

また、AIが音を改善した後のマスターを編集できるのも、こうしたサービスの良いところです。 つまり、マスターに手を加えることができるのです。 あとは、AIの音声設定を土台にして、最終的な仕上がりを決めることができるのですね。

このガイドに従えば、今日からマスタリングを始めることができます。 リファレンス・トラックと比較することで、あなたの作業が正しい方向に向かっているのか、それとも何か手を加える必要があるのかがわかります。

マスタリングの際に、今まで聴こえなかった欠点が明らかになり、最終的な仕上がりが損なわれてしまうことがあるので、楽曲やリファレンストラックを何度も聴くことの重要性はいくら強調してもしきれない。

リファレンス・トラックは、作品制作の指針として欠かせないものです。 最適な結果を得るために適切な周波数をブーストするには、「音の目印」となる他のトラックがあれば、より簡単です。

上の例ではEQから始めていますが、コンプレッションから始めてもいいし、ラウドネスを最適なレベルまで上げてもいい。 さらに処理を加えるためのヘッドルームを十分に残しておけば、曲のジャンルやニーズに応じてアプローチを選択することができます。

最後に、音楽が好きな人にマスターを聴いてもらい、率直な感想をもらうことをお勧めします。 音楽の専門家でなくても、マスタリングする音楽に情熱を持っている人なら、マスターに何か問題があれば教えてくれるでしょう。 音楽ジャンルを知り、このタイプの曲が目指す音は大体わかっている人ですからね。

なぜなら、あなたの音楽を聴いている人が、あなたの成功に関心を持ち、もっと向上できると思ってくれている可能性が高いからです。

このガイドが、マスタリングの世界への第一歩を踏み出すきっかけになれば幸いです。 マスタリングは、あなたの音楽スキルを磨き、より多才なクリエーターになるための素晴らしい旅になることでしょう。

がんばってください！